BABY BAD LUCK PUT A JINX ON ME

Se suele decir que Seattle y Portland son dos de las ciudades estadounidenses más prolíficas en lo que a grupos musicales se refiere. La opinión general, que no tiene por qué ser acertada ni errada, relaciona este hecho con la climatología de estas ciudades, dos sitios en los que llueve más de dos tercios de año y que soportan temperaturas gélidas no invitan demasiado a hacer vida en la calle  y como ninguno de los dos lugares ofrece grandes alternativas de ocio, los chicos consiguen instrumentos y se juntan en locales a tocar. Se suele decir también que la música surgida de estos puntos del Noroeste de E.E.U.U. acostumbra a ser flemática y oscura, también debido a la meteorología. Nuestros protagonistas de hoy no tienen nada que ver con eso.
Una oscura tarde del invierno pasado volvía a casa desde Parque Principado en tren y como cada tarde al dar las siete me enchufé los cascos y puse "El Sótano" en Radio 3, pasados unos minutos Diego RJ presentó un recopilatorio que el sello madrileño Ghost Highway había lanzado recolectando canciones de bandas emergentes de Portland, inmediatamente sonó un tema titulado "Rock n' Roll Über Alles" que captó mi atención y me quedé con el nombre de la banda autora para buscar más sobre ellos, se llamaban The No Tomorrow Boys e investigando un poco sobre ellos descubrí que no hacía mucho habían lanzado su primer LP de título "Baby Bad Luck Put A Jinx On Me". Lo escuché y me encontré un potentísimo disco de Rock N' Roll guitarrero y sudoroso con gran componente Punk y algunos toques Garageros, Eddie Cochran, GeneVincent, un poquito de los Sonics y algo de MC5 y The Cramps se habían unido a la fiesta de este trío de macarras, en la que temas como "Animal Eyes", "Hey Babe", "I Wanna Lot", "Teen-Age Vice" o "Cadillac Negro" suponen un ejercicio notable de diversión y perversión.
Solo me queda recomendarlos y asegurar que estos muchachos no pasarán frío ni en Portland ni en el jodido Polo Sur porque tocan como si de verdad no hubiera un mañana.

The No Tomorrow Boys - Teen-Age Vice

GOTHAM

Lo primero que he de decir en un arrebato de sinceridad es que si no te gustan los comics de Batman no veas la serie ni sigas leyendo esto, estás perdiendo tu tiempo.

La editorial DC Comics ha tenido mala suerte con sus adaptaciones a la pantalla, sea ésta pequeña o grande, su gran competidora Marvel ha conseguido pingües beneficios con prácticamente todas sus películas fueran buenas, malas o regulares mientras la empresa fundada por Malcolm Wheeler-Nicholson únicamente ha podido paladear las mieles del éxito con las películas de Batman y Superman, sus personajes principales, también su línea Vertigo ha alcanzado cierta notoriedad con las versiones cinematográficas de “Watchmen” y “V de vendetta”, pero si nos ceñimos a los comics de superhéroes, series como la horrible versión sesentera de Batman, “Wonder Woman”, “Flash” o “La Cosa Del Pantano” han pasado por las cadenas de todo el mundo con más pena que gloria, al igual que lo hizo la aberrante adaptación cinéfila de Linterna Verde, condenada al fracaso desde la elección de su protagonista. Otros ejemplos de lo mal que se le han dado a DC sus incursiones en la imagen real son la abominable “Lois & Clark”, “Smallville”, un éxito relativo de público pero cualitativamente no pasaba de ser “Sensación De Vivir” con seres superpoderosos o “Arrow”, serial en el que se convierte a Flecha Verde, héroe antisistema de DC por antonomasia, en protagonista de una epopeya plagada de mentiras y luchas por dinero y poder que la hermanan más con “Dinastía” o “Falcon Crest” que con los cómics del gran Neal Adams. Proyectos venideros como la nueva “The Flash” o la serie “Constantine” (espeluznante la película y no lo digo porque diera miedo) o un "Aquaman" bastante ridículo por lo visto en fotos previas no parecen augurar un mejor futuro.

Con este panorama “Gotham” se enfrentaba a una dicotomía inquietante. Por un lado retomar algo relacionado con Batman tras la buenísima trilogía de Christopher Nolan podría considerarse un experimento arriesgado, por otro, el listón de las adaptaciones en televisión de DC está por los suelos y Warner, propietaria de la editorial, está decidida a invertir capital humano y económico para cambiar esta situación. Así pues, conocidos los antecedentes, ¿cuál es el veredicto?.

“Gotham”, siempre en mi humilde opinión, no pasa del “sufi” muy, muy raspado y generoso, y que conste que la idea tenía su encanto, el futuro comisario James Gordon y el moralmente reprobable Harvey Bullock investigan el asesinato de los ricos y poderosos Thomas y Martha Wayne, que deja huérfano al pequeño Bruce, en una ciudad donde la corrupción va extendiendo sus garras. También he de apuntar que me gustó la decisión de abandonar un poco la oscuridad con cierto toque gótico que destilaba la ciudad en las películas del Hombre Murciélago (aunque no lo parezca viendo las fotos promocionales) para dar paso a una estética más sucia y urbana. También debe computar en el haber de la serie lo bien que están Donal Logue como Harvey Bullock y David Mazouz en el papel del huérfano y descorazonado BruceWayne.

Ahora vamos con los palos. Primero, Benjamin McKenzie no convence como Jim Gordon, si estuviéramos hablando de una serie al uso con un policía veterano abúlico que se mueve al filo de la extralimitación y un novato idealista podría pasar, pero estamos hablando del comisario Jim Gordon, el personaje a medio camino entre la rudeza y la ternura, el buen policía atormentado por la decrepitud de la ciudad que ama y del cuerpo al que pertenece. Gary Oldman bordó ese papel en el cine y a McKenzie los zapatos de un antecesor de Gary Oldman le quedan muy grandes.

Otra cosa que me causó decepción, y lo comentaré de forma muy somera para no caer en el spoiler, ha sido lo evidente de los guiños hacia la historia del Batman de dominio público, no se quedaron calvos discurriendo, no.

En fin, que posiblemente siga viendo “Gotham” porque yo sí soy un gran fan de Batman y muchas veces la mitomanía me puede pero desde un punto de vista alejado de emociones cada cuarenta y pico minutos dedicados a ella no serán precisamente los mejor invertidos de mi vida.

A WORKING CLASS HERO IS SOMETHING TO BE

Hay fechas que resultan especiales por motivos que a algunos otros les pasarán desapercibidos. El caso de hoy, día 23de septiembre es muy claro: Tal día como hoy pero en 1.949 vinieron a este mundo dos personajes absolutamente reverenciados por mí como son Enrique Castro "Quini" y Bruce Springsteen.
Quini, natural de Llaranes, ha sido el jugador que más premios "pichichi" ha conseguido en la historia del fútbol español, siete (cinco en primera y dos en segunda), y, según la Asociación de historia y estadística para el fútbol, es el jugador más valioso de la historia al ser el que más puntos ha dado a sus equipos con sus goles. Además de todo esto ganó tres Copas de España, una Supercopa y una Recopa, fue componente clave de la plantilla del Sporting que estuvo a punto de ganar la liga 78-79 de no ser por las tácticas tramposas y antideportivas tan comunes del real Madrid. También fue internacional en 35 ocasiones disputando con el combinado estatal dos mundiales y una eurocopa. En la actualidad ejerce como delegado del Sporting y, junto a su fallecido hermano Jesús, da nombre a un conocido parque de Gijón.
Bruce Springsteen, oriundo del estado de New Jersey, nos ha deleitado con buenísimo Rock And Roll desde 1.972, año en el que debutó discográficamente hablando, ya sea con la E Street Band, en solitario o en algún otro proyecto, en disco o en directo, el denominado "Boss" ha regalado cantidades astronómicas de buena música, compromiso y autenticidad.
Posiblemente la gran semejanza entre estos dos personajes, aparte de su éxito y sus orígenes humildes, sea la capacidad de lucha y su férreo compromiso. Quini, amén de haberse involucrado en causas benéficas y sociales, ha tenido que lidiar en la vida con circunstancias tan adversas como un secuestro, la inesperada muerte de su hermano Jesús o un cáncer. Springsteen no ha pasado por vicisitudes tan agudas en su vida personal pero ha dedicado gran parte de su carrera a intentar dar voz a los que la sociedad se la niega y a la defensa de los derechos de los más desfavorecidos.
Por todas estas razones el 23 de septiembre es un día especial para mí y este par de caballeros cuentan con mi admiración y cariño.

Bruce Springsteen - Human Touch

MOVIE JACK

Esta historia comienza una tarde de ¿lunes, martes, quizá incluso miércoles?. Lo cierto es que da igual, se trataba de alguna tarde de esas que resulta imposible diferenciar de muchas otras y yo me acercaba a un bar, tristemente desaparecido ya, regentado por un colega; el caso es que cuando entré me sorprendió la música que estaba sonando, el Rock cantado en español no era precisamente el tipo de música favorito de mi amigo y aquella canción sonaba irremisiblemente a Babylon Chàt, guitarras salvajes y un estribillo machacón que repetía incesante "Muerte Al Indie". No era nada del otro jueves pero molaba.
-¿Y esto?- pregunté intrigado.
-Un grupo de Oviedo, contactaron conmigo y voy a representarlos- respondió mi colega, pasándome el disco.
Aquella misma noche me puse el CD autoproducido por la banda en casa y se confirmaron las sensaciones que me había provocado la primera escucha en el bar, guitarras, actitud y una excesiva influencia indisimulada de los Babylon, esa misma opinión se refrendó cuando los vi en directo en el también cerrado Café Dam. En los meses posteriores mi amigo se puso a currar de lo lindo con ellos, más ensayo, más composición y tocar donde se pudiera llevó al grupo a madurar y presentarse al concurso de 40 principales Asturias y fueron junto a otra banda los premiados con la grabación de un LP.
El disco homónimo de Movie Jack representa un salto cualitativo importante frente al anterior EP, los temas ganaron cuerpo con la nueva producción y ciertas colaboraciones como la de la trompeta de Óscar Ybarra en "Chica Peligrosa" dieron un toque de calidad bastante importante, todo esto unido a nuevos temas tan buenos como "Nadie Nos Podrá Parar" o "Mi Lado Salvaje" conformaron un debut bastante prometedor.
Por desgracia esta historia no tiene un final feliz, el grupo se terminó separando por motivos laborales, y aquel bar también cerró sus puestas una cálida tarde de julio.
Afortunadamente aquellos tiempos dejaron como testamento un disco muy entretenido que aún escucho de vez en cuando y, sobre todo, el recuerdo de las tardes y noches pasadas en el Camden entre risas, alcohol y amigos.

Movie Jack - Mi Lado Salvaje

EL SILENCIO DE LOS CAMPEONES

Javier Castillejo, "el lince de Parla", se retiró del boxeo profesional un cuatro de junio de 2009.
El bagaje conseguido en sus años como pugilista es:
-Ocho veces campeón mundial (seis en superwelter, dos en medios).
-Seis veces campeón de Europa.
-Más de setenta combates disputados con tan sólo ocho derrotas de las que únicamente una fue por K.O. y dos nulos.
-Protagonizó un espectacular combate a doce asaltos con Óscar de la Hoya, indudablemente uno de los mejores boxeadores de la historia.
Todos estos logros serían más que suficientes para que en países como Alemania, Estados Unidos o Gran Bretaña, Javier fuera considerado un deportista mítico y una gran estrella, el problema es que en el estado español el boxeo ha sufrido un retroceso y una marginación brutal tanto a baja escala como en sus cotas más altas, en parte por esos ayuntamientos formados en su mayoría por pseudoprogres influenciados por la era hippy y la patraña que fue el mayo francés de 1968 y en parte por una sociedad ignorante que aparta el boxeo de la primera plana por considerarlo una barbarie violenta y un deporte para gente de baja estofa que acabará sonada.
Lo verdaderamente sangrante es lo fácilmente reivindicable, en gran parte gracias al cine y la TV, que resultan figuras boxísticas como Cassius Clay, Joe Frazier,Joe Lewis, Mike Tyson, Rocky Marciano o Jake La Motta y cómo se ha sumido en el olvido y la distancia a gente como Castillejo, Poli Díaz, Alfredo Evangelista, Perico Fernández, Pedro Carrasco o José Legrá, púgiles que aglutinaron múltiples triunfos a nivel europeo y mundial pero que se vieron ninguneados por el grueso de la sociedad. Y si miramos a la situación actual del boxeo español es para echarse a llorar, solo el argentino afincado en Madrid "Maravilla" Martínez" consigue trascender en este país y más allá.
A día de hoy resulta impensable que, por ejemplo, Javi Castillejo fuera galardonado con el Príncipe de Asturias, no, ese premio está destinado a los Alonso, Xavi, Casillas, Nadal, Gasol, etc. Esos muchachos con pinta de estudiantes avispados y yernos encantadores que hacen anuncios de bancos lucen mucho más a la hora de recibir un premio, independientemente de sus logros. Una buena muestra de que esos premios están tan corruptos como la institución que los entrega.
Sirva este humilde texto como homenaje al gran Javier Castillejo y todos esos pioneros que hicieron grande el boxeo en España.

Loquillo Y Los Trogloditas - Soltando Lastre

A LOS ENEMIGOS HAY QUE TENERLOS CERCA

Antes de nada aclarar que esto no es la crónica de un concierto, para eso visitad “La Nueva España” o “El Comercio”, esto es la reivindicación de una actitud y una forma de vida.

Cuando Los Enemigos lanzaron su primer LP “Ferpectamente” uno de los sitios donde se podía conseguir el disco era el Bar Velarde, que también aparece en la portada, una de esas tascas de aquel barrio de Malasaña que se hizo famoso por la proliferación de músicos de Rock que incendiaban las tardes, las noches y las madrugadas entre mares de alcohol, humo y otros complementos. Luego llegaron los hipsters y lo jodieron todo. El caso es que ese disco, primo hermano del “Agotados De Esperar El Fin”, “Arañando La Ciudad” o “Madrid”, se vendía en el Velarde con oferta especial, caña o vino, tapa de chorizo y vinilo o cassette por mil pelas. Los Enemigos continuaron con su carrera dentro de ese Rock de descampado y vino peleón, de chupa de cuero y pantalones de chandall, de copazo de coñac y farra nocturna, sin olvidar sus raíces y siempre apoyados en esa canallesca garrula que destilaba su primer disco

La banda de Josele Santiago y Fino Oyonarte tocaba ayer en San Mateo y surgió la posibilidad de ir, así que sin dudar tres gamberros en un Renault Clio se hicieron los 28 kilómetros que separan la ciudad de Gijón del pueblo de Oviedo y, bien aprovisionados de alcohol escondido para combatir los precios de las barras del concierto (somos algo cabrones y en territorio enemigo, más) nos dispusimos a disfrutar de un concierto que comenzó un poco deslucido por Kiko Veneno, el gaditano debería empezar a advertir que la gente va a verle para escuchar “En Un Mercedes blanco”, “Echo De Menos”, “Joselito”, “Superhéroes De Barrio” y un par de temas más y lo demás solo es paja innecesaria. Todo esto cayó en el olvido cuando los cuatro Enemigos se presentaron en el escenario ataviados como si se rebelaran contra el paso del tiempo que evidenciaban sus caras y sus cueros cabelludos, Josele con una de sus clásicas camisas de cuadros, Manolo con gorra y pantalones de cuero y Fino con ese aire de eterno adolescente. Y allí, a la vera del campo del eterno rival del Sporting B disfrutamos con clasicazos como “An-Tonio”, “La Otra Orilla”, “Quillo”, “La Cuenta Atrás” o “Septiembre”,aparte de descubrir un tema nuevo de título “Gurú”, hasta que Don Josele Santiago nos envió a casa haciéndonos la típica pregunta: “¿Eres tú John Wayne o lo soy yo?”. Tras el subidón llegó el momento de retomar el Clio y volver al dulce hogar, no sin antes maldecir el sindiós que representa conducir por las calles de Oviedo.

Alguien dijo una vez que Los Enemigos son muy grandes por ser muy vulgares.

Nosotros, posiblemente, también.

 

Los Enemigos - Desde El Jergón

SLASH: IT'S (NOT) SO EASY

He de reconocer una cosa, la carrera de Slash tras abandonar Guns N' Roses no termina de convencerme, creo sinceramente que Izzy Stradlin, Duff McKagan y Gilby Clarke le han superado componiendo canciones y sacando discos y que el de Stoke-On-Trent les ha batido en popularidad gracias a su particular imagen que le da un carisma superior al de sus ex-compañeros de banda y también a su indiscutible destreza con la guitarra, asimismo, proyectos como el de Neurotic Outsiders, con Duff y Matt Sorum junto a Steve Jones de los Sex Pistols también me han resultado más interesantes que Velvet Revolver. Pero no todo va a ser darle palos al guitarrista de la chistera, retrotraigámonos a su primera aventura fuera de GN'R con los Slash's Snakepit, el primer disco es un muy buen trabajo de rock con temazos como "Dime Store Rock", "I Hate Everybody (But You)", "Beggars & Hangers On" o "Be The Ball" y un cantante fuera de serie, un enorme Eric Dover. En este primer disco es donde se esconde, en mi opinión, el gran problema del músico inglés. Él mismo ha declarado muchas veces ser una persona extremadamente tímida y con problemas de comunicación con los demás y no llevar bien la fama o el liderazgo, por eso se le da tan bien colaborar en discos de otros aunque esas colaboraciones sean tan irrisorias como las de Marta Sánchez, Paulina Rubio o Rihanna, y este disco creo que puede ser una buena prueba de ello, aunque "It's Five O'Clock Somewhere" lleve su nombre, en la realización de un disco que por entonces se consideraba un mero divertimento pues los Gunners seguían juntos estaba pertrechado por Gilby y Sorum, compañeros de banda, Mike Inez, el bajista de unos por entonces ya conocidísimos Alice In Chains y el productor habitual de Guns, Mike Clink, y todo fue como la seda. El problema vino con el segundo disco, "Ain't Life Grand", en el que nuestro protagonista de hoy tuvo que volar solo tras la separación de Guns N' Roses y sus compañeros metidos en sus propios proyectos tuvo que liderar una banda que produjo un LP muy inferior al anterior, y eso pese a que tenía en sus filas a un segundo guitarra tan experimentado y contrastado como el ex-Alice Cooper y actual líder de Casablanca Ryan Roxie y que el cantante Rod Jackson era muy bueno aunque no llegara a los niveles de Axl Rose o Eric Dover. Solo temas como "Been There Lately" salvaban un poco el disco. Así, Slash aparcó a los Snakepit y se embarcó en Blues' Ball, un proyecto de versiones de Blues orientado sobre todo a tocar en festivales que vuelve a dar buen resultado, seguramente por tratarse de un proyecto mucho más modesto.
Unos años después Slash se reencuentra con Duff y Matt y de allí nace Velvet Revolver, la megabanda que cuenta, aparte de con los tres ex-Gunners, con el guitarra Dave Kushner y el ex-vocalista de Stone Temple Pilots, un Slash liberado de la composición, faceta en la que más falla, vuelve a la figura de guitarra ejecutante. Personalmente nunca me acabó de convencer Velvet Revolver, creo que nunca fue una verdadera banda sino una selección de músicos famosos que se juntaron con la seguridad de que tendrán una relevancia enorme dada su popularidad, pero al final su mezcla de Rock con toques Grunge me parecía insulsa y carente de emoción y de interés y no me extrañó que la banda experimentara problemas de egos y se disolviera tras dos discos.
Un Slash nuevamente solo, retirado de la parte más lúdica de la vida de Rockstar debido a problemas de salud toma de nuevo un puñado de canciones y en una jugada muy hábil, aunque muy manida también, se decide a sacar al mercado un nuevo disco titulado "Slash" y vuelve a eludir ser la atracción principal invitando a famosos vocalistas a colaborar en el disco, así, gente como Dave Grohl, Iggy Pop, Alice Cooper o Ian Astbury cantan las canciones de Slash dándoles un toque de calidad, lo malo es que en ese disco también interviene Miles Kennedy, ex-cantante y guitarrista de Alter Bridge, un gangoso músico pseudoalternativo surgido a finales de los noventa y principios de siglo de una aburridísima escena que se dedicaban a intentar ser unos Pearl Jam oscuros con irrisorio resultado. Slash se decide por el bostoniano para que sea el nuevo cantante de su grupo, Slash & Miles Kennedy & The Conspirators, en un nuevo intento del guitarrista de eludir el papel protagonista, y Kennedy vampiriza a Slash copando protagonismo en la realización de los dos discos que han hecho juntos, dos discos que ni siquiera la buena labor guitarrística de nuestro protagonista de hoy puede salvar. "Apocalyptic Love" y "World On Fire" son dos discos hechos a la medida de Kennedy, y cuando se hacen las cosas a la medida de un mediocre los resultados son mediocres. Dos trabajos más cercanos a Avenged Sevenfold que a Guns N' Roses, Hard Rock fronterizo con el Heavy Metal modernillo sin ningún tipo de diferencia con lo scientos de bandas que surgen cada año, miméticas e igual de aburridas. Y prefiero no hablar de la patética labor de Kennedy en el concierto de inclusión de Guns N' Roses en el Rock And Roll Hall Of Fame porque me pongo como una moto.
Como miembro original de Guns N' Roses, una banda clave para mí, le guardo gran cariño a Slash y le deseo que algún día sea capaz de volver a tener colaboradores a la altura que él merece y vuelva a ilusionarnos con su proyectos. Le estaremos esperando.

Slash's Snakepit - Good to Be Alive

THE HOT DOGS!: CON ROCK N' ROLL Y SIN MOSTAZA

Si a alguien le hablan de una banda procedente de Euskadi, más concretamente de la localidad guipuzcoana de Urretxu con influencias Punk seguramente pensará en un grupo tipo La Polla Records o Gatillazo, nada más lejos de la realidad. The Hot Dogs! eran una banda que, para empezar, cantaba en inglés y además en su música no había retazo alguno de Rock Urbano y sí mucho de bandas como Dead boys, The Stooges, New York Dolls, Mink DeVille y reminiscencias a otros clásicos como Thin Lizzy o los Stones.
El tristemente desaparecido Kike Túrmix había oído hablar de los explosivos directos de la banda guipuzcoana lo fichó para el sello Safety Pin y así vio la luz "Rock And Roll Army 69", un LP plagado de urgencia, vatios y furia punkrockera con trallazos como la canción que da título al disco, "Roadstar", "Night Time Lovers" o "Las Reinas Del Fósforo". Tras una gira por locales pequeños que les ayudó a ganar prestigio en el rockerío estatal. En el año 2000 aparece su nueva obra "Powerhouse", cortada por mismo patrón que su antecesora pero un tanto difuso, quizá por las tensiones internas que derivaron en la salida de su cantante jon Iturbe para grabar en solitario (el resto del grupo continuó bajo el nombre de The Dirty Jackets durante un tiempo sin llegar a grabar nada).
En 2004, tras arreglar los problemas existentes, los Hot Dogs!deciden volver a la carga y en 2006 lanzan al mercado "III", sin duda su disco más flojo, producción excesiva con tics de Pop oscuro y alguna guitarra Lo-Fi, tocan en algún festival llegando a compartir escenario con Backyard Babies o The Nomads en Vivero.
En 2009 la banda muestra al mundo "Nothing But A Bad Day", una grabación en la que la furia Punk cede un ápice ante los Riffs de guitarra a lo AC/DC y Rolling Stones pero un indiscutible trabajo de Rock and Roll de nivel.
Llega 2010 y el grupo ve las dos caras de la vida del rockero, por un lado el guitarra Iker Álvarez abandona el grupo y por el otro son contratados para tocar en el Azkena Rock en el escenario II junto a gente como El Vez, The Damned o Imperial State Electric el mismo día que en el escenario principal actuaban Slash y Kiss.
En 2011 la banda decide volver a separarse, esta vez de forma definitiva.
Si The Hot Dogs! hubieran sido americanos, australianos, británicos o suecos hubieran conseguido una notoriedad mucho mayor de la que alcanzaron.
Spain is different.

The Hot Dogs! - Night Time Lovers

EL ENEMIGO ESTÁ DENTRO, DISPARAD SOBRE NOSOTROS

La selección española de baloncesto quedó eliminada ayer del mundial celebrado en este país tras una vergonzante derrota contra una Francia venida a menos y en todos los estamentos se ha señalado a seleccionador Juan Antonio Orenga como máximo responsable. No seré yo quien se oponga a este hecho porque el ex-jugador del Madrid y Madrid B, perdón, Estudiantes, ha demostrado ser una nulidad como entrenador, tanto a nivel de formación de equipo como de motivación, pero creo que hay ciertos temas a tener en cuenta:
-El presidente de la FEB, el ínclito José Luís Sáez, manifestó que en esta selección el seleccionador daba igual y esta política le ha llevado a tener enfrentamientos con anteriores seleccionadores y acabó con la salida de gente muy válida como Moncho López, auténtico iniciador de este ciclo triunfal, o Pepu Hernández, artífice de la mayor gesta de España, la consecución del mundial, para honrar a pelotas y mediocres como Sergio Scariolo o Mario Pesquera.
-Esta política ha llevado a que las estrellas de la selección hayan perdido todo respeto a sus entrenadores y hayan decidido tomar las riendas de la gestión del equipo, aunque sigan vendiendo la imagen de amiguetes y buenrollistas, el núcleo de la selección de basket se ha convertido en un grupo de primmadonnas que hacen del combinado su cortijo por encima de ningún responsable, desde el "Me parece raro que estando Pau en el campo se juegue el último tiro el chico nuevo" de Marc Gasol, pasando porque Ibaka fuera requerido a entrevistarse con Calderón y Pau para que dieranc el visto bueno a su incorporación a la selección o que un Felipe Reyes al que la palabra"mediocre" le viene grande (solo hay que ver cómo se arrastró por la pista en la última final ACB o cómo la final de la Euroliga brillantemente ganada por el Maccabi le pasó por encima) siga yendo a la selección cuando jugadores como Fran Vázquez han hecho durante años mejores temporadas que él (esto no es opinable, a la vista están los números, claves en el baloncesto), pero claro, Felipe es amiguete, juega a la pocha y encima tiene un bajo desarrollo intelectual que asegura que no dará problemas en el vestuario, y ahí sí que hay que aplaudir a Orenga por el escaso uso que ha hecho de él. Al también amiguete Jorge Garbajosa se le dio un puesto indeterminado en la Federación, supongo que para agradecer sus "espléndidas" defensas a Nowitzki en el mundial de Indianápolis y en el europeo del 2005, su "férrea" resistencia al triple que Teodosic le metió en los morros o su gestión de la jugada siguiente.
En este sentido han sido lamentables las imágenes de Pau Gasol cantándole cambios a Orenga o las nefastas palabras de Navarro ayer señalando a la preparación del equipo como principal causa de la derrota, echando a los leones al entrenador y apartando las miradas de su raquitismo en cifras y juego en particular y del equipo en general.
-Por otra parte, a la hora de elegir un seleccionador y no buscar a un pelele lameduzo, existe una norma incomprensible que impide a los entrenadores ACB ser seleccionador, así, gente muy válida como Xavi Pascual, Pablo Laso o mi favorito Aíto García Reneses tienen imposible acceder al banquillo de la selección.
En fin, que en esta Falla es obvio que Orenga no merece ser indultado pero quizá habría que empezar por quemar a otros ninots.

PETER PAN REGRESA DEL INFIERNO

 

 

Todo comenzó escuchando un programa de radio que hablaba de las consecuencias que en el mundo de la música había tenido el atentado contra las torres gemelas de Nueva York acaecido el once de septiembre de 2001, así llegó el momento en el que presentaron una canción titulada “New York, New York” (vale, sí, el título no era un prodigio de originalidad), lo destacable es que el videoclip de esa composición se había grabado tres días antes del ataque al World Trade Center y se veían las torres levantándose orgullosas en el skyline de manhattan . La canción no sonaba mal, sonido americano muy estándar con una voz medio apagada y toques alternativos, cuando por fin el locutor dijo el nombre del intérprete me quedé a cuadros “¿¿¿Bryan Adams???. No puede ser” pensé para mis adentros. “Ryan, no Bryan, no confundir con el rockero canadiense” soltó la voz al otro lado del transistor, “aaaaaaaaahhhh”, todo estaba claro, no tenía nada que ver con el rubio que molaba cuando cantaba cosas como “Summer Of 69“ o “Shes Only Happy When Shes Dancing” y al que Robin Hood arruinó la carrera. Decidí investigar sobre aquel tipo y me encontré a un tipo rozando la treintena con complejo de Peter Pan a medio camino entre un rockero con cierto aura country-folk y un nerd cualquiera, que había tenido una banda de country alternativo llamada Whiskeytown y había sacado ya dos discos, “Heartbreaker”, mucho más country y folk, y “Gold”, más orientado al pop-rock. Enseguida apareció en el mercado “Demolition”, un disco que afirmó su fama entre el público alternativo merced a su estilo Americana, aunque el disco estaba formado por retales de grabaciones, ya que la discográfica se negaba a lanzar el disco que tenía preparado por considerarlo demasiado triste, temas como la magistral “Nuclear” se ganaron a la audiencia.

En 2003 Ryan se encontraba en un punto bajo en su vida personal, enganchado a las drogas, herido por su enésima ruptura sentimental y enfrentado a su compañía discográfica, el de Jacksonville suelta toda su rabia pariendo dos discos, “Love Is Hell”, intimista, y “Rock N Roll” en el que da rienda suelta a las guitarras eléctricas mientras desgarra su garganta con letras que aluden a las adicciones, el suicidio y los problemas amorosos. Mientras “Love Is Hell”, presentado en dos Eps, fue bien acogido, los críticos, sobre todo los talibanes de lo alternativo, destrozaron “Rock N Roll” considerando que Ryan trataba de subirse a la corriente neorockera que habían iniciado bandas como Strokes o Vines, no habían entendido nada, aunque Ryan era un músico destetado en la música de raíces, era un fiel seguidor de los Rolling Stones (el tema “Song For Keith”, dedicado al más grande, así lo atestigua), de Springsteen, Mötorhead, ZZ Top y bandas punk como Ramones, Fugazi o Sugar, pero con quien no ve más allá de los clichés forjados en su minúsculo cerebro no se puede razonar.

En 2004 Ryan se junta con músicos que había ido conociendo a lo largo de su carrera y forma Ryan Adams And The Cardinals, con los que saca tres discos, “Cold Roses”, “Jacksonville City Lights” y “Cardinology”, centrados de nuevo en el Country-Folk, también edita entre medias dos discos, “29“(2005), bastante flojo y “Easy Tiger” que cumple ese axioma de que el primer disco de un músico que acaba de dejar las drogas suele ser bastante aburrido.

En 2009 Ryan vuelve a atravesar un momento bajo, desencantado con el mundo de la música, incluidos sus fans y con problemas de salud (sufría el síndrome de Ménière), decide disolver The Cardinals y tomarse un tiempo de relajo para volcarse en otro tipo de proyectos más modestos. Así, nuestro amigo funda su propia discográfica, Pax Am, y da salida a composiciones suyas alejadas de lo que la gente consideraba el estilo Ryan Adams, el primer proyecto en ver la luz fue Orion, puro Heavy Metal, después se acercaría también a estilos como el Black Metal con el proyecto Werewolph y al Hard Rock con Sleazy Handshake, amén de editar un disco con grabaciones inéditas de The Cardinals titulado “III/IV”.

En 2011, recuperado de su enfermedad, vuelve a la carga con “Ashes And Fire”, un LP que le recupera para el circuito musical y mejora a “Easy Tiger” pero que no llega a equipararse con sus obras cumbre.

En la actualidad Ryan ha recuperado su faceta de compositor prolífico y ha encarado la crisis de los cuarenta sacando al mercado dos discos: Uno, titulado simplemente “Ryan Adams” es una gran demostración de lo que Ryan puede ofrecer, hay Rock, Pop, Country, Blues, baladas, una producción un tanto noventera y, sobre todo, un Adams cantando espectacular dentro de su peculiar estilo con temas imponentes como el inicial “Gimme Something Good”, muy en la onda Jack White, otras canciones a destacar son “Kim”, “Trouble”, “Am I Safe”, “Stay With Me” o “Feels Like Fire”. El otro disco, de nombre “1984“ es un ejercicio de entretenimiento fantástico que nos muestra a un Ryan Adams soltándose la correa que atenazaba sus influencias más cañeras y nos ofrece un muestrario de Rock vitamínico y adolescente en el que ninguna canción llega a los dos minutos de duración, deliciosa adrenalina guitarrera.

No me queda más que congratularme por el regreso de este grande de la música y recomendaros avídamente la escucha de sus nuevos discos

 

Ryan Adams - Ryan Adams

 

Ryan Adams - 1984

　

ORGULLOSO DE SER RUIDOSO

Si uno busca a The Throbs en cualquier tipo de foro musical en Internet el resultado será mayormente la alusión a un único LP tiulado "Language Of Thieves And Vagabonds", un buen ejercicio de Hard-Rock Sleazy-Glam fechado en 1991 y grabado en Los Angeles con la producción del mítico Bob Ezrin (Kiss, Alice Cooper), pero lo cierto es que los antecedentes de esta buena banda prácticamente desconocida en España se hallan muy lejos tanto en distancia como en tiempo de ese disco.
The Throbs se formaron en Nueva York, ciudad natal de la mayoría de sus miembros, en 1985, en aquella época Los Ramones seguían siendo los reyes musicales de la ciudad que nunca duerme y un Johnny Thunders iniciando su decadencia se negaba a entregar la cuchara (también es que la necesitaba), así que Ronnie"Sweetheart" y sus muchachos grabaron un Mini-LP de título " totalmente influenciado por el Punk, una obra que posiblemente no cambiara la vida de nadie pero que constituye un potente ejercicio de buenas y poderosas canciones.
La obra se inicia con "Here Comes The Night",de corte British Punk con unas guitarras que la hermana con "Babylon's Burning" de The Ruts. Le sigue "You're So Pretty", una composición absolutamente ramoniana, la influencia de los Fab Four de Queens sigue con "Everybody's Gonna Have A Real Good Time" con riff premonitorio de los primeros discos de Wildhearts. "I'll Do What I Want" cambia de palo en la influencia neoyorquina y rezuma ecos de New York Dolls y Johnny Thunders. El bajo y el guitarreo de "Oh, Love" recuerdan a The Clash haciendo una Jam-Session con The Stooges y conducen a una "Nuclear Attack" que constituye la pieza más accesible del álbum, de aires californianos y con reminiscencias de los Ramones más Bubblegum. El disco termina con "I Was Gonna",de ritmo vertiginoso y 29 segundos de duración, aceleración y guitarreo herederos deThe Misfits.
Posteriormente vendrían los cambios de formación y el volver a empezar tras el viaje a L.A. pero esa es otra historia, yo recomiendo buscar, pues no es fácil de encontrar, y escuchar este ejercicio de vatios y urgencia.
Get Punk,Baby.

ATTITUDE

Pete Townshend, el gran guitarrista de los Who, suele decir que "el rock es un 40% imagen, otro 40% actitud y un 20% talento". Como el talento es algo totalmente aleatorio hoy vamos a hablar de la actitud y la imagen...
Si buscamos en la iconografía del Rock And Roll hay un atavío, jeans aparte, que destaca por encima de todos los demás, se trata de la chupa de cuero de motorista.. Ningún rockero de verdad ha podido sucumbir al encanto de esta prenda, de Bruce Springsteen a Vince Neil, de Joey Ramone a Eddie Vedder, pasando por Sid Vicious, Bryan Adams o Gene Vincent, todos han lucido sobre sus cuerpos esta reliquia popularizada por Marlon Brando en "Salvaje", la única película rockera en la que no aparece un solo instrumento musical.
Uno de los recuerdos más gratos que conservo en esa parte del cerebro que algunos llaman alma es cuando conseguí mi propia chupa en una tienda de segunda mano ahora ya inexistente. El olor a cuero y todo ese metal repartido en cremalleras y apliques te hacía sentirte toda una rockstar, no importaba que no poseyera aptitud musical alguna, mi imagen y mi actitud estaban por encima de esas “minucias”, hasta que un día se fue, alguien consideró que “se caía a cachos” y la metió en una bolsa con otras prendas destinadas a la beneficencia, cuando me enteré ya era demasiado tarde y sentí un vacío que ni siquiera pudo paliar el consuelo de que en algún sitio habría un indigente realmente molón
Hoy en día la sociedad de consumo ha acabado por dominarlo todo y, por desgracia, gran parte del rock no es una excepción así que podemos ver estas joyas en los escaparates de Zara y semejantes o abrigando a algún aspirante a petardo en "O.T.", a DJs de música electrónica queriendo parecer guays o a quieroynopuedos como el ridículo de Mario Vaquerizo, todo porque que lo vintage (¿qué coño será éso?) está de moda.

Pero aún queda esperanza, la chupa de cuero sigue sin combinar bien con las camisas de rayas o los naúticos y sigue destilando imagen y actitud rockera en su esencia más básica, la de una música hecha para derribar barreras y despertar instintos.

Sex Pistols - Black Leather

BENJAMIN BOOKER: CAZADOR NEGRO, CORAZÓN BLANCO

Desde que el bueno de Jimi Hendrix falleció, en el mundo del Rock se ha instaurado una costumbre que es la de colgar el sambenito de heredero del genial músico de Seattle a cualquier personaje de raza negra que apareciera con una guitarra eléctrica colgada al hombro, le ocurrió a Prince (o como se llame ahora) en la época de"Purple Rain", a Lenny Kravitz, aunque en este caso fue mucho más buscado por el propio artista, a Vernon Reid, líder de Living Colour y últimamente al magnífico Curtis Harding.
La nueva esperanza negra de la música orientada a las guitarras se llama Benjamin Booker, es un joven de Nueva Orleans que, tras una maqueta realizada por ordenador un tanto chapucera, acaba de publicar un debut homónimo en el que las influencias de la música negra no son superiores a las de cualquier músico blanco destetado en la tradición clásica del Rock And Roll y sus antecesores que, no lo olvidemos, fueron inventados por músicos negros. Booker cita como sus influencias principales a T.Rex, Blind Willie Johnson o The Gun Club y su música oscila entre el punk y el blues con reminiscencias a músicos clásicoscomo Mink DeVille y otros casi coetáneos como Jack White, al que ha teloneado, o los Kings Of Leon más salvajes en "Violent Shriver", teniendo tiempo para relajar el frenesí guitarrero con un par de composiciones folk con sabor al Dylan más eléctrico.
En fin, que Benjamin Booker ha dejado a un lado el soul y el funk y ha tirado por la furia guitarrera consiguiendo un resultado más que interesante que recomiendo a todos los que gusten de la buena música.

Benjamin Booker – Benjamin Booker